Objetivo Torrevieja

Laura Mínguez, ayer en Auditorio Internacional

La Sala de Cámara del Auditorio Internacional de Torrevieja acogió en la tarde de ayer la cuarta de las sesiones del programa Universidad Abierta, organizado por la UNED y dedicado en esta edición al sugerente ciclo El arte del siglo XX: ¿Un arte incomprensible? Otras caras y otras artes antes y después de la Generación del 27. La clase estuvo impartida por la doctora Laura Mínguez, catedrática de Geografía e Historia, que volvió a conducir a los asistentes por uno de los periodos más apasionantes, transgresores y revolucionarios de la historia de la creación artística.

Bajo el título El arte de la Vanguardia histórica (II): La abstracción y el surrealismo, la conferencia permitió adentrarse en dos corrientes que cambiaron para siempre la manera de entender el arte. Dos movimientos que, aunque recorrieron caminos diferentes, compartieron una misma voluntad: romper con las convenciones académicas, abandonar las fórmulas tradicionales de representación y demostrar que la creación artística podía explorar territorios hasta entonces prácticamente desconocidos.

La abstracción, cuando las formas y los colores comenzaron a hablar por sí mismos

Para comprender la revolución que supuso el arte abstracto hay que imaginar un momento en el que los pintores comenzaron a preguntarse por qué una obra tenía necesariamente que representar una persona, un paisaje, un edificio o cualquier objeto reconocible. ¿Y si el color pudiera expresar una emoción? ¿Y si una línea, una figura geométrica o una composición de formas tuviera suficiente fuerza para transmitir sensaciones sin necesidad de contar una historia?

Esa fue una de las grandes rupturas del siglo XX. La pintura dejó progresivamente de tener como obligación reproducir el mundo visible para convertirse en un lenguaje autónomo, capaz de comunicar mediante colores, ritmos, geometrías y relaciones entre las formas.

Uno de sus grandes pioneros fue Wassily Kandinsky, considerado una figura fundamental en el nacimiento de la abstracción. Su obra Primera acuarela abstracta, realizada hacia 1910, representa uno de los hitos de esta transformación. Kandinsky entendía la pintura como una experiencia espiritual y emocional, estableciendo paralelismos entre los colores, las formas y la música. Sus composiciones, como Composición VIII (1923), parecen auténticas partituras visuales en las que círculos, líneas, triángulos y manchas cromáticas adquieren vida propia.

Otro nombre imprescindible es el del neerlandés Piet Mondrian, que llevó la abstracción hacia una depuración geométrica extraordinaria. En sus composiciones redujo los elementos a líneas verticales y horizontales, superficies blancas y los colores primarios: rojo, amarillo y azul. Obras como Composición con rojo, azul y amarillo muestran cómo, con unos recursos aparentemente sencillos, podía alcanzarse un equilibrio visual de enorme fuerza. Su influencia trascendió la pintura y llegó a la arquitectura, el diseño, la moda y las artes decorativas.

En una dirección diferente encontramos al ruso Kazimir Malévich, fundador del suprematismo, que buscaba expresar una realidad artística más allá de los objetos reconocibles. Su célebre Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915) constituye una de las imágenes más radicales de las vanguardias. Una figura geométrica aparentemente elemental que, sin embargo, supuso una declaración de independencia frente a siglos de pintura figurativa.

Públivo asistente

La abstracción también encontró caminos en la escultura. El rumano Constantin Brancusi, con obras como El pájaro en el espacio, buscó expresar la esencia del movimiento mediante formas depuradas, mientras que el español Julio González abrió nuevas posibilidades a la escultura moderna mediante el trabajo del hierro y la construcción de formas en el espacio.

La música, por su parte, también participó de aquella transformación. Compositores como Arnold Schönberg, con sus investigaciones sobre la atonalidad, rompieron con las estructuras musicales tradicionales, mientras que Alexander Scriabin exploró las relaciones entre sonido, color y percepción. La modernidad artística no estaba cambiando solamente los cuadros: estaba transformando la manera de escuchar, mirar y sentir.

El surrealismo, un viaje al mundo de los sueños y del subconsciente

Si la abstracción liberó a la pintura de la obligación de representar la realidad, el surrealismo abrió las puertas a otra realidad: la que se esconde en los sueños, los deseos, los recuerdos y los rincones más profundos de la mente humana.

El movimiento tomó forma en la década de 1920, impulsado por el escritor francés André Breton, quien publicó en 1924 el Manifiesto del surrealismo. Sus planteamientos recibieron una importante influencia de las investigaciones del psicoanalista Sigmund Freud sobre el inconsciente, los sueños y los mecanismos de la mente.

Los surrealistas defendían que la imaginación debía liberarse del control excesivo de la razón. Para ellos, los sueños podían ofrecer imágenes tan válidas artísticamente como las escenas de la vida cotidiana. De ahí surgieron asociaciones imposibles, paisajes misteriosos, figuras deformadas y objetos colocados en situaciones que desafiaban toda lógica.

Uno de sus representantes más universales fue el ampurdanés Salvador Dalí, que convirtió el mundo onírico en un extraordinario espectáculo visual. Su obra La persistencia de la memoria (1931), con aquellos célebres relojes blandos que parecen derretirse sobre un paisaje silencioso, es probablemente una de las imágenes más reconocibles del arte del siglo XX. Dalí jugaba con la percepción del tiempo, la memoria y la extrañeza de las imágenes soñadas, utilizando una técnica pictórica de precisión casi fotográfica para representar situaciones completamente imposibles.

Otro gran protagonista fue el belga René Magritte, que convirtió los objetos cotidianos en auténticos enigmas visuales. En La traición de las imágenes (1929), pintó una pipa acompañada de la inscripción «Esto no es una pipa», invitando al espectador a reflexionar sobre la diferencia entre un objeto real y su representación. En El hijo del hombre (1964), un hombre vestido con traje y bombín aparece con el rostro oculto por una manzana verde. Una imagen sencilla en apariencia, pero cargada de misterio y significado.

El catalán Joan Miró desarrolló un surrealismo muy personal, en el que las figuras se transforman en signos, símbolos y formas de apariencia casi infantil. Obras como El carnaval de Arlequín (1924-1925) muestran un universo lleno de personajes fantásticos, criaturas imaginarias y elementos flotantes que parecen proceder directamente del subconsciente. Su lenguaje artístico también influyó en la escultura, la cerámica y el grabado.

No puede olvidarse a Max Ernst, que experimentó con procedimientos como el frottage y el collage para descubrir imágenes inesperadas a partir de texturas y materiales. Su obra Dos niños amenazados por un ruiseñor (1924) constituye un magnífico ejemplo de cómo el surrealismo podía combinar pintura, objetos y escenas inquietantes.

Un movimiento que también conquistó la fotografía, el cine y la literatura

El surrealismo no se quedó encerrado en los museos ni en los estudios de pintura. Su influencia se extendió a prácticamente todas las disciplinas artísticas.

En fotografía destacó Man Ray, que experimentó con técnicas como los rayogramas, creando imágenes sin utilizar una cámara convencional, mediante la exposición directa de objetos sobre papel fotosensible. También sobresalió Lee Miller, fotógrafa y artista que exploró las posibilidades de la imagen surrealista.

En el cine, uno de los ejemplos más extraordinarios fue Un perro andaluz (1929), película realizada por Luis Buñuel y Salvador Dalí. Su famosa secuencia inicial, con una navaja que corta un ojo, rompió con las convenciones narrativas del cine de la época y convirtió la pantalla en un territorio de imágenes inesperadas, asociaciones libres y provocación visual.

La literatura también encontró en el surrealismo un espacio para experimentar con la escritura automática, las asociaciones libres y las imágenes poéticas. Junto a André Breton destacaron escritores como Paul Éluard y Louis Aragon, que defendieron una expresión literaria capaz de escapar de los mecanismos habituales de la razón.

Y entre las artistas que merecen un reconocimiento especial figura Frida Kahlo, cuya obra, aunque mantuvo una identidad propia y una relación compleja con el movimiento surrealista, exploró intensamente el simbolismo, el dolor, la identidad y los mundos interiores. Su cuadro Las dos Fridas (1939) constituye una de las representaciones más poderosas de la dualidad personal y emocional.

Dos caminos distintos para una misma revolución artística

La abstracción y el surrealismo demostraron que el arte del siglo XX ya no estaba dispuesto a aceptar límites. Una corriente descubrió que era posible crear sin representar objetos reconocibles; la otra encontró en los sueños y en el subconsciente una fuente inagotable de inspiración.

Ambas contribuyeron a transformar la pintura, la escultura, la fotografía, el cine, la literatura, la música y el diseño, dejando una huella que todavía permanece en buena parte de la creación contemporánea.

La sesión de Universidad Abierta permitió así acercarse a un periodo en el que muchos artistas dejaron de preguntarse cómo reproducir fielmente lo que tenían delante para plantearse algo mucho más ambicioso: cómo expresar aquello que no se ve, pero que se siente, se imagina o se sueña.

Y quizá ahí reside una de las grandes enseñanzas de las vanguardias: que no siempre es necesario reconocer lo que aparece en un cuadro para disfrutarlo, comprenderlo o dejarse sorprender por él. A veces, ante una obra de arte, la mejor pregunta no es qué representa, sino qué nos hace sentir.

La próxima sesión continuará este recorrido por las grandes transformaciones artísticas del siglo XX, siguiendo el apasionante itinerario que la doctora Laura Mínguez está ofreciendo a través del programa Universidad Abierta de la UNED.

UNED Elche en Torrevieja

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